YouTube上的MV：

歌词： 

亲爱的总有些事没办法教
表错情的感觉有一点糟
赖着不走会让人很感冒
以上这道理我全都了
我将不该犯的错都默背好
仔细观察她的喜好
而我紧绷的外表像上紧后的发条
等她的答案揭晓
她的睫毛弯的嘴角
无预警地对我笑
没有预兆出乎预料
竟然先对我示好
她的睫毛弯的嘴角
用眼神对我拍照
我戒不掉她的微笑
洋溢幸福的味道

有些事没办法教
表错情的感觉有一点糟
赖着不走会让人很感冒
以上这道理我全都了
恋爱的方式无法拿笔来抄
也没有规则可以取巧
被动的缘分很不可靠
喜欢的对象要自己挑
她粉嫩清秀的外表
像是多汁的水蜜桃谁都想咬
她嘴上亮丽的唇膏
有一股自信的骄傲我看得到

　　周杰伦就没有再介绍的必要了。没人比他再红了——就连每年9月份每次发片之前的泄漏，也成了例行节目。回想当年第一次看到周杰伦的专辑，是在学校附近一家小音像店，《Jay》的磁带灰头土脸地躺在一个角落里。封面上一个看上去像二愣子的小青年，以无重力方式飘在沙发上。由于是全身照，脸部不清楚，远远看过去还以为是周华健。

周杰伦第一张专辑《Jay》封面，发行于2000年

　　不过这个二愣子确实有才，别开天地，另创一家，彻底颠覆了华语乐坛的“国家政权”，中文歌风格现代化多样化之滥觞，应归于周氏。今日之方大同、卢广仲、黄立行、苏打绿、自然卷，甚至五月天、林俊杰等，都可以或多或少地看到周杰伦的影响。《Jay》的R&B（念快了就是2B）风格和《范特西》的始创中国风（《双截棍》，没看见春节晚会还在那“哼哼哈兮”呢么）后，《八度空间》并未有什么标志性的创新，一时“江郎”之声四起。当时还拿唱歌挺当回事的周杰伦于是在第四张专辑《叶惠美》中用尽十八般武艺，拿出了《东风破》这第一首彻底的“中国风”作品，大热于市。《她的睫毛》为此专辑第八首歌，推出之后只是半红不紫。不过在我看来，这首歌乃是此专辑中创新意义最大的歌曲，其曲风也是他本应继续发扬光大的。而后的专辑就一蟹不如一蟹了：《七里香》居然不如18禁恶搞歌曲出名；《11月的萧邦》纯属对付之作，其中《珊瑚海》漫不经心的录音质量令人发指；《依然范特西》有点反弹，请来了一贯“望天长啸”的费玉清老师合唱《千里之外》，《红模仿》和《菊花台》都是难得的佳作；《我很忙》除了《牛仔很忙》弄了个蓝草（Bluegrass，就是我原来呆的Kentucky那块地方）风格还算有点意思以外其他歌曲又是稀松平常；到了《魔杰座》干脆走低幼路线（《魔术先生》、《乔克叔叔》），实在是令人无语。从周杰伦最近的活动来看，他的心思已经完全不在音乐上了。往哪方面发展固然是个人选择，但恃此奇才却有始无终，年方而立却呈浑噩之象，周杰伦迄今为止在音乐方面的成绩实在让我等歌迷为之扼腕。

　　《她的睫毛》是方文山作的词——方氏天马行空歌词为其突出特色，但这种情歌他也能写得入木三分。通篇并无一“爱”字，却将一名看上了某漂亮优雅女青年的男青年那正在小心谨慎地蠢蠢欲动的春心描摹得恰如其分。歌词大概说了这么件事情：某单身男青年看上了个mm，想表白却又不太敢，主要是怕被拒，于是练习再三，小心翼翼地吐露出了一点意思。mm笑了，男青年觉得很幸福，再瞅mm的脸盘身段、亮丽唇膏，那是越看越喜欢。具体是拒了还是成了，作者没写，我们也不得而知。方文山以第一人称视角叙述，使听者有较强的代入感，进而产生认同感。词中对mm的描写只取局部——睫毛、嘴角、眼神，而将外表比喻成“水蜜桃”更是脱俗之喻。从“亮丽的唇膏”看到“自信的骄傲”这句歌词是我最喜欢的。“唇膏”这个意象在歌词中很少见，而由此联系到“自信”更是奇特。短短两句话勾绘出一个拥有优雅独立的现代女性气质却又如水蜜桃般可爱的女孩，正是我所钟情的类型。

　　好词还需好曲配。周杰伦作的曲以合成器开头，简短的前奏后迅速进入正曲，乐器的选择加上他半说半唱的演唱使得这首歌兼具摇滚和说唱的风格。照旧是周氏吐字不清唱腔，在当时还算有意思。到第一遍“她的睫毛弯的嘴角”，忽然在背景音乐里出现了一把强劲的电吉他，一下子就把这首歌和之前的周杰伦式歌区别开来了。电吉他的使用使得这首歌有了英伦摇滚的味道，更加西方化，也就是更接近了流行音乐的先进水平。这个电吉他声部在此曲之后的副歌中一直存在并有所加强。全曲听下来，感觉很不像周杰伦的典型歌曲，而更可能是某摇滚乐团的作品，但是其特殊的节奏和唱法却又时时刻刻在提醒你，这确实是周杰伦唱出来的歌。这是周杰伦第一首有较多摇滚元素的歌，而他也证明了自己也可以唱摇滚歌。

　　不幸的是，在《七里香》的《困兽之斗》中尝试更纯的摇滚风格失败之后，周杰伦再也没有推出任何适合自己的摇滚风格歌曲。最近的专辑配器旋律愈发繁花似锦，却好比美式奶油蛋糕，糖太多了，甜得发腻。须知，周杰伦的嗓音虽有特色，但绝非张学友、陈奕迅等“乐器级”歌手，仅凭唱功就可以令人百听不厌；他必须配上合适的曲风才能讨好歌迷的耳朵，也就是说，必须“剑走偏锋”。然而偏锋虽好，听多了自然有疲惫之感。与摇滚结合也许是一条不错的道路，因为摇滚不是“偏锋”；而一种曲风之所以成为正统，必因其符合人类生理心理的本真需要，所以才会有“百听不厌”之感。《她的睫毛》是很好的将摇滚嫁接到周杰伦固有曲风上的尝试，是很有潜力可挖、挖好了就有足够吃一辈子的老本的方向，但是周杰伦至今为止还没有进行这方面的进一步探索。但愿他只是杂事缠身无暇钻研而不是主动放弃吧。

　　周杰伦正式出道至今已有近10年，目前是当之无愧的歌坛一哥，号召力无与伦比。但娱乐圈兴衰无常，云泥仅在一线之间，也许这正是周杰伦往多方面发展的原因。然而他在音乐上的实力如此雄厚，却跑去和别人争电影这块蛋糕，不可不说是舍本逐末。现在拍出来的电影仗着粉丝众多尚可保证收入，再过几年，周杰伦步入中年，他的主要受众——我们这一代的口味也必然中年化，难道他还要从偶像派（电影上的）转型为演技派么？所以，音乐才是他的核心竞争力，才是他在娱乐业真正的可持续发展之路。作为一个一般水平的Jay迷，希望他还能做出一些高水平的歌曲。其实用不着一年一发，沉一沉，耐心磨一磨，拿出好活，比什么都强。

有句话说：“一流企业做标准，二流企业做技术，三流企业才做产品”。类似的法则在iTunes这个案例里面其实也适用。iPod卖得再多，iTunes的点击量再惊人，真正能“数钱数到手抽筋”的其实是歌曲背后的唱片公司。iTunes成立之初，就跟百代（EMI）、环球（Universal）、华纳兄弟（Warner Bros.）、新力（Sony Music Entertainment）和BMG五家签订了合约，得以独家销售他们提供的音乐。与此同时，iTunes也致力于发展独立厂牌市场；到目前为止，已经有超过600家独立厂牌成为了iTunes的音乐提供商。

即便如此，iTunes还是不能做到覆盖所有的知名艺术家。如果在iTunes上搜索Beatles，你会惊奇地发现居然没有一首歌曲出售。这是因为Beatles的唱片公司也叫“苹果”。于是，苹果唱片公司（Apple Corps）和苹果电脑公司（Apple Computer, 现在叫Apple Inc.）自然而然地都宣称自己才是“真苹果”，并且对簿公堂。这桩有点类似于北京谷歌科技有限公司诉Google的官司从1978年时断时续地打到2007年，终于在2007年2月5日以双方和解而告终。苹果电脑保有所有一切跟“苹果”有关的商标的所有权，但是授权苹果唱片公司可以继续使用这个商标——广东“苹果牛仔”（Texwood）怎么办？有意思的是，保罗·麦卡特尼自己的作品却授权给了苹果，Dance Tonight还成为了一支iTunes电视广告的主题歌。

在音乐工业中，唱片公司、艺术家、销售商和消费者组成了一条完整的供应链。艺术家提供自己的歌喉、手指、大脑等等，唱片公司负责包装、推广，销售商负责把音乐产品提供给最终的消费者。产品的提供者——艺术家处于过剩状态，只有少数被唱片公司看中的幸运儿才有可能成为明星。唱片公司则是一个寡头垄断的市场：据2005年的统计数据，上面提到的四大唱片公司（新力和BMG于2004年合并）控制了70%的世界音乐市场；在美国市场，它们的份额达到了80%。虽然近几年独立厂牌比较火热，但是根本无法撼动四大厂的垄断地位。在销售商方面，iTunes的崛起给几种传统的零售渠道，包括连锁专业音乐零售店（Towers、Virgin等）、电器店（BestBuy、CircuitCity等）和书店（Barnes & Noble、Amazon等）以强大的冲击。

在不远的未来，iPod装备上T（1T=1024G）级别硬盘、家用网络带宽达到这个水平的哪怕百分之一时候，网络零售无损压缩音乐将能最终普及。有一些看好这个市场的零售商已经开始进行无损压缩音乐的网络销售了，这其中最著名的，可能就是magnatune和jamendo。

知识：无损压缩和有损压缩

随便搜索一下就有好多文章，不过还是在这里简单地说一下。

无损压缩，就是说压缩文件经过还原之后和原文件毫无差别。比如我们常用的7z、rar、zip等许许多多压缩格式就是如此。有损压缩，就是说压缩的文件损失了原文件的一些信息。著名的例子有jpeg图片格式和mp3音乐文件格式，rm（vb）、mpg等影像格式也在此列。音乐方面的主流无损压缩格式有ape、flac、wvpack等几种。虽然在有抓轨、刻录方面不能做到完全精确，但是用这些无损格式精心刻出来的盘，已经完全能够满足一般的要求了。Ape是老牌，至今仍然是网络下载的主流格式。flac应用灵活，算法比ape要优越一些。目前已经有硬件播放器支持ape和flac（如开源固件rockbox提供对flac的硬件支持），无损压缩格式占据音乐播放器硬盘的日子，已经不远了。

8月14日补记：
没想到在这篇blog贴出的仅仅一天之后，约翰·列侬的八张个人专辑（iTunes链接）就进入了iTunes。小野洋子说：“约翰会喜欢这个事情的。他的音乐现在以适合新一代听众的形式存在了。”但是作为一个整体的Beatles进入iTunes目录的时间，目前仍然没有任何消息。

首先来看三张CD的封面：

这三张封面以第一张最为著名。这是Lara在24岁的时候出的第一张专辑，是巴赫的一些小提琴作品。在封面中，她上身全裸，仅以一把小提琴遮住胸部。推出之时，评论界眼镜跌碎、鼻血横流。慨叹“世风日下”者有之，狂赞“美女！美女！”者有之，对音乐质量的评论反而寥寥无几。这张专辑的销量超过三万张——对于一张古典音乐专辑，这已经是相当高的一个数字了。很难估计这张革命性的封面对促进销售起了多大的作用，不过从此之后，Lara拥有了一群数量相当可观的粉丝。报纸的标题称她为古典音乐界的“洛丽塔”和“麦当娜”。

Lara再接再厉，于次年推出了第二张专辑《吉普赛》。在封面上，她再次以性感形象示人，全身上下只披一件皮大衣，如瀑的金发充满野性地垂在胸前。这张专辑的销量，不用说，又是一个令人咋舌的数字。Lara性感女神的形象如此深入人心，以至于2002年第三张专辑推出的时候，人们看到她仅仅是让低胸吊带衫的一个吊带滑脱，竟不免有些失望了。

毫无疑问，Lara在古典音乐界是一个异数，而且给人以“一脱成名”的印象。Lara自己对此的解释是“希望把年轻人吸引过来”。她不仅打算以自己的美貌吸引人们购买CD，还想通过自己的琴声引让更多的人接触到并喜欢上古典音乐。Lara的特立独行之处还在于，她已出的四张CD三张是巴赫，而一个后辈在出道之初即主打貌似简单实则内涵无比深邃的巴赫，需要多大的勇气，可想而知。至少在我看来，这和出四大小提琴协奏曲之类容易讨巧的流行曲目相比，是高出一个层次的。我听了她的音乐之后，觉得她以美貌做招牌，凭自己的实力推广古典音乐的目的是能够达到的。有道是“没有金刚钻，不揽瓷器活”，Lara的小提琴造诣，足可以和当今世界的一流演奏家比肩，同时她又“别开天地，另创一家”（语出单田芳《童林传》）。她演奏的巴赫在中规中矩的外衣下，隐隐透出一种野性。在她的手中，提琴呈现出清澈明亮的音色，那些音符不再围绕着巴洛克式的繁复精美的石柱，而是随着后现代的Koenisegg跑车放肆地飞舞。这种令人耳目一新的诠释风格在《吉普赛》中得到了淋漓尽致的体现。《吉普赛》中全部是萨拉萨蒂《流浪者之歌》之类优秀版本无数的炫技曲目，可Lara的版本却有两大特点：一是配器简单至极——只有一架钢琴；二是琴技出众。这类炫技曲酷则酷矣，其实很容易让人审美疲劳；但是听Lara拉出来的激越旋律，却好像有无限剂量的摇头丸可供服用，有一种想把音量开到最大以便被那些奔放的音符绞碎、吞噬的冲动。Lara的这种音乐风格，是和她的经历分不开的。

和《古墓丽影》女主角同名的Lara于1971年4月15日出生在伦敦——不是英国首都，而是加拿大安大略省的一个同名城市，为苏格兰裔。其父在一所中学教法语和西班牙语，兼篮球教练。其母为音乐教师。Lara上有一兄，现任多伦多大学音乐教授，为弦乐系主任，擅长小提琴和中提琴。在这种奇人辈出的家庭里成长起来的Lara，10岁即在里斯本进行海外首演，其后的三年里在西班牙、法国、葡萄牙和匈牙利巡回演出，呈横扫欧洲之势，一时风头无两。由于安大略省法律允许，Lara干脆不上除了音乐以外的其他课程，实际上和辍学无异。14岁的Lara进入费城柯蒂斯音乐学院，三年后毕业，来到莫斯科，本来是打算进入柴可夫斯基音乐学院深造的，不料1988年的苏联时局动荡，Lara的导师竟同许多其他教师一起投奔西方自由世界，而死板的苏联学院又不允许学生换导师，Lara就成了没人管的野孩子，整天同一群吉普赛人厮混，跟他们逛遍了苏联和东欧。后来Lara觉得自己似乎不能一辈子就这么玩下去，于是又到英国、美国找了几个学校随便念了念，出道了事。

于是，正统音乐学院教育和街头卖艺“拉野琴”这两种迥异的风格在Lara身上奇妙而又完美地结合在了一起。她的演奏既有过硬的技术，又有音乐学院中难以学到的狷狂。而Lara本人的个性，却受吉普赛人的影响更多一点。拍性感封面不说，找唱片公司也是品味独到：前两张专辑都是Well Tempered Productions出品，此公司专长录音技术，做出来的唱片效果惊人，官方网站却至今没有建好；第三张专辑为著名独立厂牌Magnatune出品；随后，Lara终于被Sony的金钱收买，却给第四张专辑起了一个电子邮件题目——Re: Bach，收录一些用爵士、世界和流行风格改编的巴赫作品。

Lara St. John的横空出世，是这个信息爆炸的时代的特色。一切广告宣传，都以“吸引眼球”为第一要务。没有出位大胆的包装的产品，很容易就会在无数同质品的汪洋大海中湮没不闻。可惜的是，像1.83米的Lara这样不仅拥有天使般的面孔和魔鬼般的身材，手底下的活也令人挑不出毛病的艺人，实在是凤毛麟角。在名利的诱惑下，想出名的人不再走闭关钻研、修炼内功、靠实力取胜的可持续发展之路，却靠爆料、花边新闻、故意出洋相来哗众取宠，实在是我们这个时代的悲哀。

如今的Lara已经三十有五，脾性依然不改，前些日子跑到拉斯维加斯附近的沙漠里攀岩去了。

最后说三条花絮：一、Lara St. John的台湾译名为“拉拉圣蔷”，真是匪夷所思；二、Lara曾于2003年10月在台湾担任王力宏“不可思议”演唱会嘉宾，与王力宏合奏《Julia》；三是Lara在录制效果惊人的《Gypsy》时，使用的是一把不知道从哪里捡来的、仅仅出厂一年的小提琴，就像一双竹筷子到大侠手中也成了威力无穷的兵刃。而她自己直到1997年在加拿大政府组织的一个比赛中获奖，才获得了一把斯特拉底瓦里的两年使用权。现在使用的1779年瓜奈里，是后来一个公司和一名匿名人士共同赠予她的。

本文主要参考Lara St. John的官方网站和在wikipedia上的页面。

另：本文在Windows Live Writer中写成，这是微软推出的Blog写作工具，支持市面上的主流blog服务，功能强大，使用方便，适合懒得写和不会写html代码的人使用。

下期预告：谈谈Magnatune和Jamendo

上周五晚上看的演出，再不写怕忘了。

从学校音乐厅网页看到本校乐团要上演马勒第二了，甚感意外。这个乐团的贝多芬、柴科夫斯基、布拉姆斯什么的都还可以，但是上次练了一把瓦格纳《尼伯龙根的指环》里面最著名的那段《女武神的飞驰》，简直是乱七八糟得无以复加。如今居然要碰同样气势恢弘而且更加深邃复杂的马勒了，不知道会搞成什么样子；周末无事，又没有听过现场的马勒，也不妨一去。

星期四晚上临时抱佛脚，翻出学校还没封BT的时候从verycd拖下来的阿巴多＋维也纳爱乐乐团版马勒交响曲全集，听了一遍第二。搜了搜背景材料，对这部作品的评价是“马勒走向庞大性倾向最初的作品”云云。不想在这里展开对该曲的分析，一来我对马勒不是十分了解，二来本篇主旨不在于此。

星期五下午的组会轮到玉兰姐主讲，不敢睡觉，于是早上起来灌了一杯咖啡，还算有点效果。

离确定的开场时间还有5分钟的时候到音乐厅，买好票进去一看，上座率出奇地高，看来大伙都是冲着马勒来的。根据以前的经验后排基本坐不满，于是挑了个正中的座位坐下。其实后排中间比前排边上要好，声音定位更加明确清晰。不料坐下之后，过来一个身上散发着奶酪味的穿条绒西装的中年男人，紧挨着我右手坐下了；我还没反应过来，又坐下一对年轻人，在我的另一边，也是紧挨着我。我想我肯定是占了他们中一个人的位置了。正要问，指挥出来了，又舍不得这个正中间的位置，于是厚着脸皮，没有开口。

也许因为是学校乐队需要给更多人练习的机会吧，乐队编制似乎分外庞大。有两套定音鼓，圆号若干把（没数，肯定比一般的多）；更奇怪的是在演奏到第五乐章的时候又进来四把圆号，像是专门为了加强效果的。如果马勒的总谱就是如此写的，也真够标新立异的了。合唱团从一开始就坐在那儿了——这倒不算什么，可怜的是两个女声独唱，得坐在乐队最前方，众目睽睽之下，不得不始终保持着优雅——也就是难受——的坐姿长达近一个小时。

第一乐章是所谓“葬礼”，一开始明显是过于紧张，指挥几乎没法控制乐队，若干齐奏非常混乱，音色刺耳；有一段大管独奏，那兄弟哆哆嗦嗦地，连撒气漏风的声音都听见了，大煞风景。弦乐部分不难，音乐流动性也还可以。发现第一小提琴（拉主旋律的那队人）的8个人里面，有7个女生，唯一的男生还是最后一排左手的，也就是排名最末的。马勒的狂性在第一乐章有初步体现，打击乐铜管乐用得很多。

第二乐章是行板，比较正常，乐团得以喘息，我右边的那位开始睡觉。

第三乐章是谐谑曲体裁，马勒再度疯狂，令两架定音鼓、一架大鼓、6把低音提琴等一干重武器持续鸣响达数十秒，各位乐手卖力演奏，辉煌壮丽，观众面有high色。

第四乐章女声出场，黑人女中音首先亮声，效果不错，其间若干人（包括我）试图翻开节目单看歌词，发现光线太暗，无法阅读。后白人女高音出场，感觉声音不够亮，可能还不如参加American Idol的Mandisa。后来看演员简介，黑人是研究生，白人是大三学生，多混几年江湖的优势看来还是很明显的。乐队渐入佳境，收放自如。

第五乐章合唱团全体起立，灯光一照，效果非凡。大场面频频出现，如礼炮一声接一声鸣响，震撼爆棚。搜到一则评论说这部分“不仅预示了该曲面世后仅十年便爆发的第一次世界大战的恐怖，更深刻地描写了人类在二十世纪在精神上和肉体上的痛苦忧伤”，堪称牵强附会的典范——都十年了还好意思说“仅”；本曲完成于1894年，还有6年才进入20世纪。

一片狂风暴雨中乐曲结束，全场起立鼓掌——几乎什么演出都是这样。谢幕4次，首席小提琴mm起身走路，观众散伙。

这支曲子有个题目，叫“复活”（Resurrection)，这个词是个神学名词，指耶稣复活。马勒起这个名字直接的原因应该是唱词来自弗雷德里希·克洛普施托克的复活赞美诗。另外其整体扬-抑-扬的结构也给人以一种“复活”之感。

还是现场效果好，家里的音响不敢放爆棚，音场定位、音色准确性也远远不如现场。CD也是现场录音，回家再听，人家大师的演绎就是强，比学校乐团高出不止一个档次。学校的听完了之后就是觉得热闹、劲爆；阿大师棒下的《复活》则让人为之动容。